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Paris / La Gazette

Dans notre exploration des musées emblématiques et de leurs architectes, nous nous tournons vers cinq visionnaires qui ont redéfini notre expérience de l'art à travers l'espace, la lumière et la forme. De l'intervention audacieuse de I. M. Pei au Louvre à la maîtrise poétique de l'illumination naturelle par Louis Kahn, chacun de ces architectes a laissé une empreinte indélébile sur la conception des musées.

Leurs créations vont au-delà de simples structures, façonnant le dialogue culturel entre l'histoire et la modernité, le mouvement et l'immobilité, ainsi que l'innovation et la tradition. Que ce soit à travers les formes dynamiques et en ailes de Santiago Calatrava ou l'utilisation méditative du béton et de l'eau par Tadao Ando, ces architectes ont créé des espaces qui intensifient notre engagement avec l'art. Norman Foster, quant à lui, fait le pont entre le passé et l'avenir, prouvant que même les institutions historiques peuvent être transformées avec une vision architecturale novatrice.

En entrant dans ces musées, nous nous rappelons que l'architecture n'est pas seulement un décor pour l'art ; elle est une partie essentielle de l'expérience artistique elle-même.

Pyramide du Louvre

La pyramide de verre de I. M. Pei (1917-2019) au Louvre se dresse comme un dialogue frappant entre patrimoine et modernité. Une intervention audacieuse au cœur de Paris, son dévoilement en 1989 a été accueilli par de vifs débats. Les critiques ont dénoncé la juxtaposition d'une structure en verre futuriste avec le palais historique, craignant qu'elle ne perturbe le caractère de l'un des musées les plus vénérés au monde. Cependant, au fil du temps, la pyramide est devenue une partie inséparable de l'identité du Louvre – un phare de précision géométrique et de sensibilité culturelle.

Les pyramides de verre et d'acier ont été conçues dans le cadre d'une vaste rénovation de l'ancien palais royal. Elles ont été conçues pour apporter de la lumière naturelle dans les galeries souterraines tout en réorganisant la circulation des visiteurs. La vision de Pei portait sur l'esthétique et la réimagination de la manière dont les gens s'engagent dans l'espace. Sous la surface, son hall d'entrée souterrain relie de manière transparente les ailes du musée, améliorant considérablement l'accessibilité tout en préservant la dignité de la structure historique.

Réfléchissant au projet du Louvre, Pei a déclaré au New York Times en 2006 : « Ce projet m'a appris que pour connaître un pays, il faut y travailler sur un projet important. Après ce projet, je me suis donc dit : Apprenons à connaître le monde ». Son expérience avec le Louvre a élargi sa perspective, inspirant ses futurs projets qui fusionnent les techniques architecturales modernes avec une profonde conscience culturelle.

La maîtrise de la lumière et des formes de Pei s'est étendue bien au-delà du Louvre. L'élégance angulaire de l'East Building de la National Gallery of Art à Washington, D.C., et la grandeur sereine et géométrique du musée d'art islamique de Doha témoignent de sa capacité à concilier innovation et tradition. Qu'il s'agisse de façonner un musée contemporain ou de redéfinir l'entrée d'une des plus grandes institutions de l'histoire, le travail de Pei continue de jeter un pont entre le passé et l'avenir avec un brio durable.

Musée d'art de Milwaukee

Santiago Calatrava (1951) a conçu le Musée d'Art de Milwaukee non seulement comme un bâtiment, mais aussi comme une sculpture vivante. L'élément emblématique du musée, le Burke Brise Soleil, s'ouvre et se ferme comme les ailes d'un oiseau, créant un rythme dynamique qui change tout au long de la journée.

À l'intérieur, de vastes espaces blancs et de vastes parois de verre abolissent la frontière entre l'intérieur et l'extérieur, permettant à la lumière et à l'air de circuler librement. Cette conception reflète le langage de conception biomorphique de Calatrava.

Lors du discours qu'il a prononcé à l'occasion de l'inauguration du pavillon Quadracci en 2001, Calatrava a expliqué comment il envisageait que la nouvelle annexe relie le musée à son environnement naturel et urbain : « L'agrandissement du musée était l'occasion d'offrir quelque chose d'extraordinaire à notre communauté. Il ne s'agissait pas seulement d'agrandir le bâtiment existant, mais aussi de relier le musée au paysage du lac et de la ville ».

Le pavillon Quadracci a été construit avec une forme transparente et légère, contrastant avec la structure plus ancienne de Saarinen. Ce nouvel ajout comporte un pont qui s'étend vers l'extérieur, reliant le musée à la ville et au bord du lac. Le mât penché du pont symbolise la direction et le mouvement, tandis que le toit et le Brise Soleil complètent ce flux dynamique.

Calatrava a décrit le bâtiment comme « non seulement un bâtiment, mais une partie de la ville, une extension de son esprit ». La philosophie de conception de Calatrava, qui mêle mouvement et structure, est également évidente dans d'autres œuvres emblématiques, telles que la Cité des arts et des sciences de Valence et l'Oculus du World Trade Center à New York, où son architecture apporte fluidité et mouvement dans le paysage urbain.

Musée d'art moderne de Fort Worth

Tadao Ando (1941) a conçu le musée d'art moderne de Fort Worth comme un lieu de calme et de réflexion. En utilisant des matériaux simples comme le béton, le verre et l'eau, Ando a créé un espace où le bâtiment se retire, laissant l'art et la nature devenir le centre d'intérêt.

Les bassins réfléchissants du musée prolongent le bâtiment dans son environnement, brouillant la frontière entre la structure artificielle et la nature. L'eau reflète l'environnement, créant un sentiment d'unité avec le paysage. La conception d'Ando crée un équilibre entre l'architecture, l'art et la nature, où chaque élément met en valeur les autres. Cette harmonie contribue à créer un environnement paisible où le silence fait partie intégrante de l'expérience.

La capacité d'Ando à susciter l'émotion par le minimalisme se retrouve également dans ses autres œuvres, telles que le musée d'art Chichu à Naoshima et l'église de la Lumière à Osaka. Dans ces espaces, la lumière, l'ombre et les matériaux s'associent de manière discrète mais puissante, incitant les visiteurs à réfléchir profondément à l'espace.

Bien qu'Ando n'ait jamais étudié l'architecture de manière formelle, il est devenu l'un des architectes les plus importants des XXe et XXIe siècles. En associant le minimalisme japonais aux styles modernes d'Europe et d'Amérique, Ando a apporté une nouvelle dimension à l'architecture internationale.

La grande cour du British Museum

Norman Foster (1935) a réimaginé la Grande Cour du British Museum comme une union parfaite entre l'histoire et la modernité. Sous son grand toit de verre et d'acier, la lumière naturelle inonde la zone, créant un espace vibrant mais paisible qui s'intègre parfaitement à l'architecture historique du musée.

Le toit, inspiré par la conception de Foster pour le dôme du Reichstag à Berlin, comporte 3 212 panneaux de verre uniques. Cette canopée transparente n'apporte pas seulement de la lumière dans l'espace, mais crée également une expérience dynamique puisque la vue change à chaque pas dans la cour. Cette capacité à transformer la perspective du visiteur est l'un des éléments clés qui rendent l'espace si spécial.

Le réaménagement a permis d'augmenter la surface du musée de 40 %, offrant ainsi un nouveau niveau d'ouverture et d'accessibilité. Pour la première fois en 150 ans, les visiteurs ont pu explorer librement le rez-de-chaussée du musée, naviguant aisément entre les siècles d'histoire. La vision de Foster en matière de réutilisation adaptative se retrouve également dans des projets tels que le musée national Zayed à Abu Dhabi, où l'utilisation de matériaux et de conceptions modernes complète le contexte historique et culturel.

L'inauguration de la Grande Cour le 6 décembre 2000 par la reine Élisabeth II a marqué un nouveau chapitre dans l'histoire du musée, un exemple parfait de la façon dont le design moderne peut élever et rafraîchir les espaces traditionnels. Le travail de Foster démontre qu'une architecture réfléchie peut redonner vie à des structures historiques tout en préservant leur héritage et leur lien avec le passé.

Musée d'art de Kimbell

Le Musée d'art de Kimbell de Louis Kahn (1901-1974), à Fort Worth, au Texas, est un exemple déterminant de sa maîtrise de la lumière et de l'espace. Les voûtes cycloïdes emblématiques du musée sont ouvertes à leur sommet pour laisser filtrer la lumière du jour, créant ainsi une lumière douce et diffuse qui transforme l'ensemble de l'expérience. Ce jeu de lumière, de structure et de matériaux, en particulier sur les surfaces en béton poli, crée un environnement paisible et méditatif. L'architecture invite à la contemplation, encourageant une connexion tranquille entre le visiteur et l'œuvre d'art qui s'y trouve. La philosophie de Kahn en matière de conception est évidente dans l'ensemble de son œuvre, comme en témoignent non seulement le Kimbell, mais aussi ses structures monumentales telles que le National Assembly Building à Dhaka (1961) et le Salk Institute à La Jolla (1965).

Les structures de Kahn ne sont pas simplement fonctionnelles ; elles évoquent un sentiment de transcendance, où la lumière et l'espace se combinent pour créer une atmosphère divine. Son utilisation de la lumière en tant qu'élément structurel dans son travail était révolutionnaire, transformant les espaces en plus que de simples environnements - ils deviennent des expériences émotionnelles. Ses projets reflètent une fusion harmonieuse des traditions orientales et occidentales, comme en témoigne l'utilisation de géométries symboliques dans le bâtiment de l'Assemblée nationale. Ses projets ont été influencés par de nombreuses sources, notamment l'architecture classique et les stupas bouddhistes, et il a magistralement utilisé ces formes pour créer de nouveaux symboles modernes de la nation et de l'identité.

Par Selen Basman